Biographie de Vincent Van Gogh

Vincent Van Gogh est sans doute l'une des figures les plus fascinantes et tragiques de l'histoire de l'art. Son parcours, marqué par une passion dévorante pour la peinture et une vie personnelle tumultueuse, continue de captiver notre imagination plus d'un siècle après sa disparition. Plongeons ensemble dans l'histoire extraordinaire de cet artiste néerlandais qui a révolutionné notre perception de l'art moderne.

Origines et jeunesse

Né le 30 mars 1853 à Groot-Zundert aux Pays-Bas, Vincent Willem Van Gogh grandit dans une famille modeste mais cultivée. Fils d'un pasteur protestant, Theodorus van Gogh, et d'Anna Cornelia Carbentus, Vincent évolue dans un environnement empreint de rigueur morale et de spiritualité. Cette éducation aura une influence considérable sur sa vision du monde et, plus tard, sur son art.

La jeunesse de Vincent Van Gogh est marquée par une certaine instabilité émotionnelle. Enfant sensible et introverti, il développe très tôt un amour profond pour la nature qui deviendra une source d'inspiration majeure dans ses futures œuvres. Cependant, ses années d'école sont difficiles ; il peine à s'intégrer et préfère la solitude des promenades dans la campagne environnante.

À seize ans, Vincent entre comme apprenti chez Goupil & Cie, une prestigieuse galerie d'art ayant des succursales à travers l'Europe. Cette expérience lui permet de découvrir le monde de l'art commercial et d'affiner son regard artistique, mais elle se solde par un échec. Après plusieurs années, il est licencié, ce qui marque le début d'une période d'errance professionnelle et existentielle.

Parcours artistique

Le cheminement artistique de Vincent Van Gogh est aussi fascinant qu'atypique. Contrairement à de nombreux peintres célèbres, il ne se découvre pas une vocation précoce pour l'art. Ce n'est qu'à l'âge de 27 ans, après avoir essayé plusieurs métiers - vendeur d'art, enseignant, prédicateur - qu'il décide de se consacrer entièrement à la peinture.

Cette décision tardive explique en partie l'intensité extraordinaire avec laquelle Van Gogh se jette dans sa pratique artistique. En à peine une décennie (1880-1890), il produira près de 900 tableaux et plus de 1000 dessins, un rythme de création frénétique témoignant d'une urgence créatrice presque désespérée.

Durant cette courte carrière, Van Gogh traverse plusieurs phases stylistiques distinctes. Ses premières œuvres, réalisées aux Pays-Bas, sont sombres et austères, influencées par les peintres réalistes comme Millet qu'il admire profondément. Son chef-d'œuvre de cette période, "Les Mangeurs de pommes de terre" (1885), illustre parfaitement cette esthétique terreuse et cette compassion pour le monde paysan.

C'est son séjour à Paris (1886-1888) qui marque un tournant décisif dans son évolution artistique. Au contact des impressionnistes et post-impressionnistes, sa palette s'éclaircit considérablement. Il découvre également l'estampe japonaise qui influence durablement sa conception de la composition et de la couleur. Mais c'est véritablement dans le sud de la France, à Arles puis à Saint-Rémy-de-Provence, que Van Gogh développe son style le plus personnel, caractérisé par des couleurs éclatantes et des coups de pinceau expressifs.

Contexte historique

Vincent Van Gogh évolue dans une époque de profonds bouleversements artistiques, sociaux et industriels. La seconde moitié du XIXe siècle voit l'émergence de nouvelles sensibilités artistiques qui remettent en question les conventions académiques. L'impressionnisme, né dans les années 1870, a déjà commencé à révolutionner la peinture lorsque Van Gogh s'installe à Paris en 1886.

Cette période est également marquée par l'industrialisation galopante de l'Europe, la montée des inégalités sociales et une crise spirituelle profonde. Van Gogh, avec sa sensibilité à fleur de peau et son passé de prédicateur, est particulièrement réceptif à ces tensions. Sa peinture peut être vue comme une réponse à cette modernité parfois déshumanisante, un plaidoyer pour une reconnexion avec la nature et la spiritualité.

L'époque de Van Gogh voit aussi l'émergence d'un marché de l'art transformé par de nouveaux acteurs comme les marchands indépendants et les critiques. Paradoxalement, alors que le système traditionnel des Salons perd de son influence, Van Gogh, qui aspire à la reconnaissance, ne parvient pas à vendre ses œuvres de son vivant. C'est son frère Theo, marchand d'art, qui assure sa subsistance et lui permet de poursuivre sa création dans des conditions souvent précaires.

Style Artistique de Van Gogh

Le style de Vincent Van Gogh est immédiatement reconnaissable, même pour ceux qui ne sont pas versés dans l'histoire de l'art. Ses tourbillons de couleurs vives, ses coups de pinceau énergiques et sa vision intensément personnelle de la réalité ont créé un langage pictural unique qui continue d'émouvoir les spectateurs du monde entier. Examinons les caractéristiques qui font de l'art de Van Gogh un phénomène si singulier dans l'histoire de la peinture.

Techniques picturales

La technique picturale de Vincent Van Gogh est révolutionnaire et profondément personnelle. Autodidacte, il développe un style qui privilégie l'expression émotionnelle plutôt que la représentation fidèle de la réalité. Cette approche distinctive se manifeste à travers plusieurs éléments caractéristiques.

Tout d'abord, son coup de pinceau est immédiatement reconnaissable : énergique, rythmé et directionnel, il donne vie et mouvement à ses compositions. Van Gogh applique souvent la peinture en empâtements épais (impasto), créant des surfaces texturées qui captent et réfléchissent la lumière de façon dynamique. Ces touches vibrantes, qui peuvent ressembler à des virgules ou des traits courts et rapides, construisent l'image tout en exprimant l'intensité émotionnelle de l'artiste.

La couleur est un autre élément fondamental du style de Van Gogh. Contrairement aux impressionnistes qui cherchaient à capturer les effets fugitifs de la lumière naturelle, Van Gogh utilise la couleur de façon symbolique et expressive. Ses combinaisons audacieuses - les jaunes éclatants des tournesols, les bleus profonds de la nuit étoilée, les verts vibrants des cyprès - créent une tension visuelle saisissante. L'artiste n'hésite pas à juxtaposer des complémentaires (bleu/orange, jaune/violet) pour intensifier l'effet visuel de ses compositions.

"J'essaie d'exagérer l'essentiel et de laisser délibérément vague ce qui est banal", écrivait Van Gogh. Cette philosophie se traduit par une simplification des formes et une intensification des caractères expressifs des sujets qu'il peint. Qu'il s'agisse de portraits, de paysages ou de natures mortes, Van Gogh cherche toujours à révéler l'énergie vitale et la dimension spirituelle qu'il perçoit dans le monde visible.

Évolution artistique

L'évolution artistique de Vincent Van Gogh est remarquable par sa rapidité et sa profondeur. En seulement dix ans, il passe d'un débutant maladroit à l'un des artistes les plus novateurs de son temps. Cette métamorphose stylistique peut être divisée en plusieurs phases distinctes qui témoignent de sa quête incessante d'un langage pictural personnel.

Durant sa période néerlandaise (1880-1886), Van Gogh travaille dans une gamme chromatique sombre et terreuse, influencée par l'École de La Haye et les peintres réalistes qu'il admire. Ses sujets sont principalement des paysans et des travailleurs, représentés avec empathie mais sans idéalisation. La technique est encore hésitante, mais on y trouve déjà cette intensité émotionnelle qui caractérisera toute son œuvre.

Son séjour à Paris (1886-1888) marque un tournant radical dans son approche de la couleur. Au contact des impressionnistes et des néo-impressionnistes, Van Gogh éclaircit considérablement sa palette. Il expérimente la division des tons et s'intéresse momentanément au pointillisme, comme on peut le voir dans des œuvres comme "Le Pont de Clichy". Cependant, il ne tarde pas à rejeter cette approche trop méthodique pour développer une technique plus spontanée et expressive.

C'est dans le sud de la France, particulièrement à Arles (1888-1889), que Van Gogh trouve sa voix artistique la plus authentique. Inspiré par la lumière méditerranéenne intense, il développe cette palette éclatante et ces coups de pinceau dynamiques qui définissent son style mature. Les œuvres de cette période - "La Chambre à Arles", "Le Café de nuit", les séries de tournesols - montrent un artiste en pleine possession de ses moyens, capable de transformer la réalité visible en expressions intenses de son univers intérieur.

Influences principales

Vincent Van Gogh, contrairement à l'image romantique de l'artiste isolé, était profondément connecté aux mouvements artistiques de son époque et nourri par de multiples influences qu'il a su assimiler pour forger son style unique.

Parmi ses premières influences majeures figurent les peintres de l'École de Barbizon et Jean-François Millet en particulier. Van Gogh admirait la dignité avec laquelle Millet représentait les paysans et leur travail. Cette influence est visible dans ses premières œuvres comme "Les Mangeurs de pommes de terre", où il cherche à capturer la rudesse authentique de la vie paysanne.

L'art japonais constitue une autre source d'inspiration fondamentale. À Paris, Van Gogh découvre les estampes ukiyo-e qui connaissaient alors une grande vogue en Europe. Il en collectionne lui-même et s'inspire de leurs compositions asymétriques, de leurs perspectives aplaties et de leurs couleurs vives. Cette influence est particulièrement visible dans des œuvres comme "Le Pont de Langlois" où les éléments japonisants sont évidents.

Les impressionnistes et néo-impressionnistes ont également joué un rôle crucial dans l'évolution de Van Gogh. De Monet, il retient la capacité à capturer l'atmosphère d'un paysage ; de Seurat et Signac, il emprunte momentanément la technique divisionniste. Cependant, Van Gogh transforme ces influences en quelque chose de profondément personnel. Là où les impressionnistes cherchaient à saisir l'instant fugitif, Van Gogh peint ce qu'il ressent autant que ce qu'il voit.

L'influence de Gauguin est également significative, notamment pendant leur brève cohabitation à Arles. Bien que leur collaboration se soit terminée de façon dramatique (culminant avec l'épisode de l'oreille coupée), Van Gogh a été influencé par l'approche de Gauguin privilégiant la mémoire et l'imagination plutôt que l'observation directe.

Œuvres Emblématiques de Vincent Van Gogh

Les tableaux de Vincent Van Gogh comptent parmi les images les plus iconiques de l'histoire de l'art. Malgré une carrière d'à peine dix ans, l'artiste a produit un corpus d'œuvres d'une richesse et d'une diversité extraordinaires. Ses toiles, aujourd'hui exposées dans les plus grands musées du monde, continuent de fasciner par leur intensité émotionnelle et leur puissance visuelle. Explorons ensemble quelques-unes de ses créations les plus célèbres à travers différentes catégories thématiques.

Paysages

Les paysages occupent une place prépondérante dans l'œuvre de Vincent Van Gogh. Tout au long de sa carrière, l'artiste a peint la nature avec une sensibilité particulière, y voyant le reflet de ses propres états d'âme et y cherchant une forme de communion spirituelle. Ses paysages ne sont jamais de simples reproductions de lieux, mais des interprétations émotionnelles et symboliques.

Van Gogh a peint des centaines de paysages qui témoignent de son évolution stylistique et de sa sensibilité changeante. Des vues austères de la campagne néerlandaise aux explosions de couleurs du Midi de la France, ces œuvres nous permettent de suivre son cheminement artistique et personnel. Particulièrement dans ses dernières années, ses paysages deviennent le véhicule d'une expression émotionnelle intense, où chaque élément naturel - cyprès, champs de blé, oliviers - semble animé d'une vie propre.

La Nuit étoilée

"La Nuit étoilée", peinte en juin 1889 depuis l'asile de Saint-Rémy-de-Provence, est probablement le tableau le plus célèbre de Vincent Van Gogh et l'une des images les plus reconnaissables de toute l'histoire de l'art. Cette œuvre magistrale représente une vue nocturne depuis la fenêtre de sa chambre d'asile, mais transfigurée par sa vision intérieure.

Dans ce chef-d'œuvre, le ciel nocturne devient un véritable tourbillon d'énergie cosmique. Les étoiles, démesurément agrandies, pulsent de lumière jaune sur un fond d'un bleu profond. La lune, entourée d'un halo vibrant, illumine le paysage d'une clarté surnaturelle. Mais l'élément le plus saisissant reste ces volutes spiralées qui traversent le ciel, créant un sentiment de mouvement perpétuel et d'immensité vertigineuse.

Au premier plan, un cyprès sombre s'élance vers le ciel comme une flamme noire, créant un contrepoint vertical aux mouvements circulaires du ciel. Dans la vallée en contrebas, un village paisible avec son clocher pointu (ajouté de mémoire par l'artiste) introduit un élément d'humanité et de calme dans cette composition cosmique.

"La Nuit étoilée" exprime magnifiquement la vision spirituelle de Van Gogh et sa perception unique de la nature. L'œuvre transcende la simple représentation pour atteindre une dimension presque mystique. Van Gogh écrivait à son frère Theo : "Pourquoi, je me le demande souvent, les étoiles dans le ciel nous paraissent-elles claires ? Je ne saurais répondre à cette question, mais il me semble que de voir les étoiles nous rend plus sereins et plus heureux." Cette quête de sérénité à travers la contemplation de l'infini céleste transparaît dans cette toile extraordinaire.

Champs de blé

Les champs de blé constituent un motif récurrent et profondément symbolique dans l'œuvre de Vincent Van Gogh, particulièrement durant les dernières années de sa vie. Ces paysages dorés, ondulant sous le vent ou illuminés par le soleil, représentaient pour lui le cycle de la vie, la fertilité de la nature et, paradoxalement, ils devinrent aussi associés à ses pensées sur la mort.

La série des "Champs de blé" comprend plusieurs dizaines d'œuvres réalisées principalement à Arles, Saint-Rémy et Auvers-sur-Oise. Dans ces tableaux, Van Gogh capture la lumière changeante sur les étendues céréalières, créant des visions tantôt sereines, tantôt dramatiques. Le jaune intense des blés mûrs, couleur que Van Gogh associait au bonheur, contraste souvent avec le bleu profond du ciel ou le vert des cyprès.

Parmi les plus célèbres de cette série, "Champ de blé avec cyprès" (1889) illustre parfaitement la capacité de Van Gogh à insuffler une énergie vitale aux éléments naturels. Le cyprès au premier plan s'élance vers le ciel comme une flamme verte, tandis que les blés semblent onduler sous l'effet d'un vent invisible. Le ciel, peint en tourbillons bleus et blancs, rappelle celui de "La Nuit étoilée" dans sa composition dynamique.

Plus sombre mais tout aussi poignant, "Champ de blé aux corbeaux" (1890), l'une des dernières œuvres de l'artiste, présente une vision plus tourmentée. Sous un ciel menaçant, un chemin se divise en trois directions à travers un champ de blé doré, tandis que des corbeaux noirs s'envolent au loin. Longtemps interprétée comme un présage de son suicide, cette œuvre témoigne de l'état psychologique fragile de Van Gogh durant ses derniers jours, tout en conservant une beauté saisissante.

Natures mortes

Les natures mortes occupent une place importante dans l'œuvre de Vincent Van Gogh, lui permettant d'expérimenter avec la couleur et la composition tout en exprimant ses émotions à travers des objets du quotidien. Loin des arrangements traditionnels et élégants de ses prédécesseurs, Van Gogh insuffle à ses natures mortes une vitalité surprenante, transformant des sujets ordinaires en expressions vibrantes de son univers intérieur.

Ses premières natures mortes, réalisées aux Pays-Bas, sont sombres et austères, à l'image de la palette générale de sa période néerlandaise. C'est à Paris, puis surtout dans le sud de la France, que ce genre pictural prend une nouvelle dimension dans son œuvre. Des paniers de pommes aux bouquets de fleurs des champs, Van Gogh traite chaque sujet avec une intensité remarquable, utilisant des couleurs vives et des coups de pinceau expressifs qui donnent vie aux objets inanimés.

Tournesols

La série des "Tournesols" représente sans doute l'apogée de l'art de la nature morte chez Vincent Van Gogh et constitue l'une de ses contributions les plus significatives à l'histoire de la peinture. Ces œuvres, réalisées principalement à Arles entre 1888 et 1889, comptent parmi les images les plus reconnaissables et les plus aimées de l'artiste.

Van Gogh a peint sept versions de ses fameux tournesols dans des vases. Les premières toiles, réalisées à Paris, montrent des fleurs coupées posées à plat. Mais c'est à Arles que le motif prend toute sa puissance, avec des compositions verticales montrant les tournesols dans différents stades de leur cycle de vie - de la pleine floraison au flétrissement.

Ce qui frappe immédiatement dans ces œuvres, c'est l'audace chromatique. Van Gogh explore toutes les nuances possibles du jaune, du jaune pâle citron au jaune orangé profond, créant une symphonie monochrome d'une richesse étonnante. Ces variations subtiles sont rehaussées par les verts des tiges et les bruns des centres de fleurs, créant un ensemble harmonieux malgré sa relative simplicité.

Les "Tournesols" avaient une signification particulière pour Van Gogh. Il les considérait comme symbolisant la gratitude et voyait dans leur quête constante de lumière une métaphore de sa propre recherche artistique. Il réalisa plusieurs de ces tableaux pour décorer la "Maison Jaune" à Arles, où il espérait établir une communauté d'artistes avec Paul Gauguin. "Les tournesols sont à moi", écrivait-il à son frère Theo, exprimant son sentiment d'avoir trouvé dans ce motif une expression authentique et personnelle.

Aujourd'hui, les différentes versions des "Tournesols" sont dispersées dans les plus grands musées du monde, de la National Gallery de Londres au musée Van Gogh d'Amsterdam, témoignant de l'importance capitale de cette série dans l'œuvre de l'artiste.

Portraits

Les portraits constituent une part essentielle de l'œuvre de Vincent Van Gogh, reflétant son profond intérêt pour la condition humaine et sa quête de connexion avec autrui. Tout au long de sa carrière, l'artiste a peint des personnes de tous horizons sociaux - paysans, facteurs, médecins, cafetiers - cherchant toujours à capturer non seulement leur apparence physique mais aussi leur essence intérieure.

Van Gogh aborde le portrait avec une approche très personnelle. "Je voudrais faire des portraits qui, un siècle plus tard, apparaîtraient aux gens de cette époque comme des apparitions", écrivait-il. Cette ambition se traduit par des œuvres d'une intensité psychologique remarquable, où les visages, souvent peints dans des tons vifs et non naturalistes, semblent animés d'une vie intérieure palpable.

Parmi ses portraits les plus célèbres figurent "Le Docteur Gachet", médecin qui le soigna à Auvers-sur-Oise, peint avec une mélancolie poignante sur fond bleu, ou encore "L'Arlésienne", portrait saisissant d'une femme locale réalisé à partir d'un dessin de Gauguin. Ces œuvres témoignent de la capacité extraordinaire de Van Gogh à révéler, à travers son style expressif, les profondeurs psychologiques de ses modèles.

Autoportraits

Les autoportraits de Vincent Van Gogh constituent un chapitre fascinant et particulièrement révélateur de son œuvre. Entre 1886 et 1889, l'artiste réalise plus de 35 autoportraits peints, créant ainsi l'une des séries d'auto-représentations les plus remarquables de l'histoire de l'art. Ces œuvres nous offrent un témoignage saisissant sur l'évolution de sa technique, mais aussi sur sa perception de lui-même et ses états psychologiques changeants.

Van Gogh se tourne vers l'autoportrait pour plusieurs raisons pratiques et artistiques. D'une part, en tant que modèle, il est toujours disponible et ne coûte rien - considération importante pour un artiste perpétuellement en difficulté financière. D'autre part, ces autoportraits lui permettent d'expérimenter de nouvelles techniques et approches coloristiques, servant de laboratoire à ses innovations stylistiques.

Mais au-delà de ces aspects pratiques, les autoportraits de Van Gogh témoignent d'une profonde introspection. Dans chacun d'eux, l'artiste se scrute avec une honnêteté implacable, n'idéalisant jamais ses traits. Son regard, généralement dirigé vers le spectateur, est d'une intensité parfois troublante - mélange de fierté, de mélancolie, d'interrogation et parfois d'anxiété.

L'évolution stylistique de ces autoportraits est remarquable. Les premiers, réalisés à Paris, montrent encore l'influence des impressionnistes, avec une technique pointilliste et une palette relativement claire. Progressivement, son style devient plus expressif et personnel. L'"Autoportrait à l'oreille bandée" (1889), peint après son automutilation à Arles, est particulièrement poignant dans sa franchise brutale, montrant l'artiste enveloppé dans un manteau d'hiver, le regard las mais déterminé.

L'"Autoportrait" de Saint-Rémy (1889), avec son fond tourbillonnant d'un bleu intense qui semble prolonger les ondulations de sa chevelure rousse, compte parmi ses chefs-d'œuvre absolus. Dans cette œuvre saisissante, Van Gogh se représente avec une dignité tranquille malgré les tourments intérieurs suggérés par le fond agité, créant un contraste saisissant entre calme apparent et tumulte intérieur.

Périodes Artistiques de Van Gogh

La carrière artistique de Vincent Van Gogh, bien que relativement courte (environ dix ans), peut être divisée en plusieurs périodes distinctes qui témoignent de son évolution technique et stylistique remarquable. Chacune de ces phases correspond non seulement à un lieu géographique différent, mais aussi à des explorations artistiques spécifiques et à des états émotionnels particuliers. Ces périodes successives nous permettent de mieux comprendre la trajectoire fulgurante de cet artiste qui, en une décennie à peine, est passé du statut d'amateur à celui de génie révolutionnaire.

Période néerlandaise

La période néerlandaise de Vincent Van Gogh (1880-1886) marque ses débuts en tant qu'artiste professionnel. Après plusieurs années d'errance professionnelle, Van Gogh décide à l'âge de 27 ans de se consacrer entièrement à l'art. Ces premières années de création sont caractérisées par un apprentissage autodidacte intense, où l'artiste s'efforce de maîtriser les fondamentaux du dessin et de la peinture.

Durant cette période, Van Gogh travaille principalement dans les régions rurales des Pays-Bas, notamment à Etten, La Haye, Drenthe et Nuenen. Sa palette est alors sombre et terreuse, dominée par des bruns, des verts foncés et des ocres. Cette gamme chromatique austère reflète à la fois l'influence des peintres réalistes qu'il admire, comme Jean-François Millet, et les paysages brumeux des Pays-Bas.

Thématiquement, les œuvres de cette période se concentrent sur la vie rurale et les classes laborieuses. Van Gogh peint des paysans, des tisserands, des mineurs - toujours avec une profonde empathie pour leur condition. Son chef-d'œuvre de cette période, "Les Mangeurs de pommes de terre" (1885), illustre parfaitement cette approche : dans une lumière ambrée, une famille de paysans partage un repas frugal. Leurs visages et leurs mains, délibérément grossiers et déformés, témoignent de la dureté de leur existence, mais aussi d'une dignité que l'artiste tenait à représenter.

Techniquement, les œuvres de cette période reflètent encore les tâtonnements d'un artiste en formation. Le dessin est parfois maladroit, les proportions approximatives, mais on y trouve déjà cette intensité émotionnelle qui caractérisera toute son œuvre. Van Gogh développe également une grande maîtrise du dessin, produisant des centaines d'études qui témoignent de sa détermination à progresser.

Période parisienne

L'arrivée de Vincent Van Gogh à Paris en mars 1886 marque un tournant décisif dans son évolution artistique. Pendant les deux années qu'il passe dans la capitale française (1886-1888), vivant avec son frère Theo dans le quartier de Montmartre, il subit une véritable métamorphose stylistique au contact des avant-gardes artistiques de l'époque.

Paris est alors le centre névralgique de l'art moderne, où s'affirment l'impressionnisme et le post-impressionnisme. Van Gogh découvre avec émerveillement les œuvres de Monet, Pissarro, Seurat, Signac et bien d'autres. Cette immersion dans l'effervescence artistique parisienne a un impact immédiat sur son travail. Sa palette, jusqu'alors sombre et terreuse, s'éclaircit spectaculairement. Il adopte les couleurs vives et lumineuses des impressionnistes, expérimente la technique pointilliste des néo-impressionnistes, et s'initie à l'estampe japonaise qui influence profondément sa conception de l'espace pictural.

Les sujets de prédilection de Van Gogh évoluent également durant cette période. Il peint des scènes urbaines, des vues de Montmartre, des natures mortes florales, et réalise de nombreux autoportraits qui lui servent de terrain d'expérimentation technique. Ces autoportraits parisiens, notamment ceux de 1887, montrent un artiste qui gagne rapidement en assurance et en maîtrise.

L'influence japonaise devient particulièrement importante durant cette période. Van Gogh collectionne avidement les estampes ukiyo-e et s'inspire de leurs compositions audacieuses, de leurs perspectives aplaties et de leurs contours marqués. Des œuvres comme "Le Père Tanguy" (1887), où le marchand de couleurs est représenté devant un fond d'estampes japonaises, témoignent explicitement de cette fascination.

Malgré ces évolutions positives, la vie parisienne finit par épuiser Van Gogh. Le rythme fr

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